La scorsa primavera il Covid-19 ha bloccato temporaneamente le nostre attività (e purtroppo quelle di tutti).
Dopo alcuni mesi difficili, tuttavia, anche la nostra Associazione ha ufficialmente riaperto i battenti, dando il via lo scorso Giovedì 10 Settembre al nuovo Corso di Fotografia di Base autunnale.
Vi raccontiamo, brevemente, come sono andate le cose al nostro rientro.
Un Autunno particolare
Assolutamente si! Questo, come dicevamo prima, è un Autunno molto particolare, ed è per questa ragione che ripartiamo con i nostri corsi in una forma leggermente diversa rispetto alle edizioni precedenti.
Ci siamo riuniti, abbiamo discusso lungamente e siamo stati concordi nel decidere che, compatibilmente con le regole per limitare la diffusione dell’epidemia da Covid-19, la programmazione della nostra attività dovesse andare avanti.
Per cui: mascherine obbligatorie, spazi contingentati e distanziamento sociale sono state le nostre parole d’ordine.
L’arte e la fotografia sono infatti delle passioni meravigliose da coltivare: ma il rispetto delle regole (e della salute) per la nostra Associazione viene assolutamente prima di qualsiasi altra cosa.
I nostridocenti, DanieleMusso e Stefania Stramondo, come ogni anno, hanno dato il benvenuto ai nuovi allievi.
E anzi, soprattutto in un momento così particolare, l’associazione ha cercato di fare uno sforzo ulteriore per accogliere tutti con il consueto calore che accompagna l’ingresso dei nuovi membri nella grande Famiglia di ImagoZero.
Ma tra le conferme che abbiamo avuto modo di evidenziare quest’anno ci sono anche delle interessanti novità per tutti i corsisti.
La tecnologia: nostra “amica speciale” di quest’anno
Abbiamo infatti dovuto e voluto reinventarci ed “adeguarci” a quella che definiamo, simpaticamente, la “Dittatura della Tecnologia”.
Scherzi a parte l’aiuto della tecnologia, come durante il periodo di lockdown, quest’anno si dimostrerà un portentoso alleato per portare la scintilla dell’amore per la Fotografia anche tra chi non è fisicamente “in praesentia” all’interno della nostra Sede.
Infatti una parte dei nostri allievi avrà l’opportunità, per la prima volta, di seguire in streaming il nostro Corso Base di Fotografia.
Quindi alcuni dei nostri discenti hanno seguito la nostra lezione di apertura dietro lo schermo del proprio dispositivo: tutto questo però non ha inficiato l’entusiasmo che mettiamo nel veicolare il nostro messaggio, che speriamo sia arrivato ugualmente forte e chiaro a chi lo ha ricevuto.
Ad assicurarsi, dietro la “consolle“, che tutto filasse liscio come l’olio è stata la nostra Mariarita Zappalà, che si è dimostrata ancora una volta, come tutti i membri del team, parte fondamentale della “macchina organizzativa”.
Sosteniamo da sempre che preferiamo il contatto fisico con i nostri allievi: ma le contingenze attuali ci hanno portato a fare questa scelta, che affrontiamo con entusiasmo come un’opportunità, sicuri che comunque non fermerà la nostra voglia di farvi avere fame di fotografia e di cultura fotografica.
Eccoci qui dunque, pronti come sempre, a lanciarci in questa nuova avventura!
Il nostro augurio è sempre quello che facciamo ogni anno: buona luce a tutti.
E che quest’anno, soprattutto, possa almeno in parte illuminare questo periodo così oscuro.
Le fotografie della serata sono state scattate dalla nostra socia Gabriella Ricifari.
“Ricorda di guardare in alto alle stelle, e non ai tuoi piedi. Cerca di dare un senso a quello che vedi e chiediti quello che fa vivere l’Universo. Sii curioso.“ Stephen Hawking
L’Estate dell’Associazione ImagoZero, nonostante il periodo particolare, non si ferma. Anzi, armati di macchina fotografica e nel rispetto delle norme di sicurezza attuali, si torna finalmente a scattare in compagnia portando il mondo della fotografia sotto le stelle.
In uno scenario decisamente suggestivo: le notti “magiche” e grondanti di stelle della zona di Siracusa.
L’ImagoPhotoWalk del 19 Agosto 2020, infatti, è dedicato alla fotografia della “Milky Way” ed alla tecnica del Light Painting.
E quale migliore data per ricominciare, se non quella del 19 Agosto, che celebra la Giornata mondiale della fotografia 2020?
Under The Milky Way
Una passeggiata fotografica per l’appunto “Under The Milky Way” (citando una canzone dei Church), con il naso all’insù. A scrutare le bellezze e le emozioni della notte che solo un cielo stellato può regalare.
Fotografia di Andrea Belardinelli
La fase organizzativa ha visto i nostri fotoamatori alle prese con la preparazione all’immersione nel buio.
Armati dell’attrezzatura necessaria (il treppiedi e le torce luminose sono d’obbligo) i Soci di ImagoZero sprofondano nella notte, mettendosi alla prova con le prodezze della fotografia “astronomica”.
I nostri soci si sono cimentati nell’esercizio portando a casa scatti molto interessanti.
Fotografia di Andrea Belardinelli
Fotografia di Stefania Stramondo
Perché fotografare la Via Lattea è semplice se si seguono alcune regole base: cercare la location adatta, al riparo dall’inquinamento luminoso, riprendere la giusta porzione di cielo e ovviamente conoscere e scegliere le corrette impostazioni di scatto.
La scarsa luminosità costringe ad usare lunghe esposizioni e diaframmi aperti, ma una volta fatte le scelte giuste, un pò di pratica e di esperienza saranno gli ingredienti fondamentali per portare a casa un risultato che ci sorprenderà!
Fotografia di Alberto Privitera
Il Light Painting
La notte è un’ottima occasione anche per sperimentare e giocare con la luce e cimentarsi in un’altra interessante e (divertente) tecnica: quella del Light Painting.
Se fotografia significa “scrivere con la luce” il Light Painting è senza dubbio una delle espressioni più creative di questo concetto.
Fotografia di Stefania Stramondo
Qui l’ingrediente fondamentale diventa la torcia luminosa (o comunque qualsiasi fonte che sia in grado di creare un’illuminazione artificiale, come un accendino).
Anche perché in questo caso il vero protagonista di questa tecnica è proprio il fotografo: a lui infatti spetta in primo luogo la scelta delle sorgenti luminose che dovranno dare vita all’immagine; ed in seguito “dipingere” con le luci evocando delle figure luminose che spesso generano effetti davvero sorprendenti.
Fotografia di Alberto PriviteraFotografia di Stefania Stramondo
Dunque luci, stelle e macchina fotografica: cosa si può desiderare di più dalla vita per chi rientra nell’ampio universo del fotoamatore?
Questa è una delle tante esperienze che negli ultimi anni la nostra associazione ha riproposto per fare innamorare chi ci segue dell’arte fotografica: e scattare una foto al cielo significa anche cercare di esprimere l’Infinito dentro di noi attraverso la nostra cara “macchinetta”.
Il video di sintesi di questa magnifica esperienza
Qui di seguito potete guardare un video molto divertente, firmato dalla nostra socia Mariarita Zappalà, che ringraziamo per riprese e montaggio, nel quale ha registrato alcuni momenti di preparazione al nostro ImagoPhotoWalk.
Buona visione e, come sempre: alla prossima iniziativa fotografica!
Riprese e montaggio di Mariarita Zappalà
Ringraziamo Gabriella Ricifari e Mariarita Zappalà per le fotografie della serata.
Lo scorso 21 Dicembre il Museo Diocesano di Catania ha ospitato la prima edizione di PHŌTÓS – Sicily’s Photo Exhib, manifestazione voluta al culmine delle attività 2019 dell’associzione culturale ImagoZero per condividere la Passione per l’Arte Fotografica.
Questo anno di attività non poteva chiudersi al meglio, con il talk del fotografo catanese Alessio Mamo e con le due collettive fotografiche, _graphìa e Con Nuovi Occhi, che hanno mostrato, rispettivamente, le opere dei soci e dei corsisti dell’appena concluso Corso Base di Fotografia.
Ripercorriamo lo svolgimento di quella che, ai nostri occhi, rimarrà una serata indimenticabile.
Dialogo con Alessio Mamo: la voce delle crisi migratorie nel mondo
Nell’incontro dal titolo “Dalla Sicilia al Medio Oriente: diario di un fotoreporter”, moderato da uno dei membri fondatori di Imago, Daniele Musso, abbiamo assistito a un grande e partecipato momento di condivisione su temi e argomenti legati all’attualità più perturbante e dolorosa.
L’ospite del Talk è stato, come anticipato, Alessio Mamo, fotografo freelance catanese vincitore del World Press Photo 2018, con il 2° premio nella Categoria Persone.
A fare da controcanto alle immagini di Mamo, le parole della giornalista palermitana Marta Bellingreri, compagnia dei viaggi e messaggero dei racconti visivi del fotoreporter ed il fotografo catanese Antonio Parrinello, che con Mamo ha condiviso intensi momenti di fotografia.
Al centro del dibattito l’elemento portante è stato l’essere umano. Una sorta di viaggio, parafrasando Proust, alla “recherche” dell’umanità perduta.
Mamo, Bellingreri e Parrinello hanno dato vita a un incontro emozionante, intenso e toccante, fornendo un’impressionante apologia in difesa del “mondo offeso” di Vittoriniana memoria: dove i figli delle barbarie non siamo più noi, ma i “dannati della Terra”.
La narrazione fotografica dei nostri cronisti ci ha mostrato l’esodo, il dolore e le sofferenze di uomini, donne e bambini che migrano o che vivono in terre devastate da conflitti che non hanno né voluto né deciso, ma anche la speranza che cresce con l’arrivo alla meta o quella che brilla negli occhi dei bambini durante un percorso di guarigione.
A partire dalle immagini della nostra Sicilia, meta finale e allo stesso tempo Golgŏtha di persone disperate che fuggono dalle tragedie della loro quotidianità.
Passando per la decisione di intraprendere il sentiero dei migranti per vivere sulla propria pelle ciò che hanno udito raccontare ai superstiti. E così ci è stata raccontata una via crucis che parte dalla Turchia, passando per le isole più lontane della Grecia per finire attraverso le zone interne di Macedonia, Serbia, Croazia e chiudere il proprio viaggio all’interno dell’Europa cosiddetta “civile”.
Per giungere alle zone devastate dall’ISIS in Siria e in Iraq: Mamo e i suoi compagni di viaggio ci hanno introdotto ai confini del mondo pacificato, senza alcun sensazionalismo e con la semplice voglia di raccontare con sensibilità il dramma umano, spesso dimenticato dall’informazione.
Le immagini di Mamo raccontano tanto: e per le nostre coscienze sopite e intorpidite, forse, raccontano troppo.
Ma non è forse questo che può salvarci da una tragica impassibilità?
“Se devi raccontare una storia la devi vivere appieno”: questa è la chiosa di Alessio Mamo. Ma rappresenta in estrema sintesi anche la sua missione e quella di Marta Bellingreri: dare voce, che sia per immagini o per parole, a chi non ha voce, agli invisibili nel mondo che vogliono soltanto appellarsi al proprio diritto alla vita.
Le mostre di soci e corsisti ImagoZero
A fare rispettosamente da cornice all’emozionante incontro con il fotoreporter conterraneo, l’esperienza del Team ImagoZero, con due collettive fotografiche: la prima edizione di _graphìa, collage di immagini offerte dai soci ImagoZero e la seconda edizione di Con Nuovi Occhi, che ha ripetuto il fortunato esperimento dello scorso Maggio con gli scatti degli allievi del “Corso base di Fotografia Autunno 2019”.
Ad esporre sono stati complessivamente 20 soci e 19 corsisti, con quasi 80 opere in mostra.
Soci e corsisti hanno voluto raccontare la propria visione del mondo al pubblico presente al Museo Diocesano con immagini che spaziavano dal colore al bianco e nero, dal ritratto alla Street Photography, da sempre leitmotiv della fotografia targata ImagoZero, donando visioni mature affiancate a visioni di chi, anche fotografando per la prima volta, ha già compreso i fondamentali per far parte della schiera dei fotografi del domani.
Anche questa volta ImagoZero ha colto l’occasione per far conoscere le attività associative e ringraziare chi ha attivamente partecipato a questi intensi mesi di attività creativa, con la consegna degli attestati a tutti i partecipanti ai corsi autunnali di Fotografia, il Corso Base ed il Corso Avanzato.
Un’altra serata emozionante e indimenticabile per l’associazione e, speriamo, per tutti coloro che vi hanno preso parte.
Non finisce ovviamente qui. Il nuovo anno è appena iniziato e sono già pronte nuove sorprese e nuove iniziative.
Pertanto, ancora una volta, un arrivederci alle prossime attività di ImagoZero!
“È impossibile trovare le parole per descrivere ciò che è necessario a coloro che non sanno ciò che significa l’orrore.”
Colonnello Walter E.
Kurtz, Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979)
A volte è difficile raccontare orrore e disperazione, ma
anche desiderio e rivalsa con le sole parole. E ovviamente in questi casi vale
il classico adagio per cui “un’immagine
racconta meglio di mille parole”.
Ciò nonostante non è da tutti riuscire a trasmettere il
senso assoluto di stati d’animo così complessi nemmeno attraverso le immagini.
E per questo gli autori di fotoreportage che colpiscono
contemporaneamente il cuore e lo stomaco sono forse oggi quelli che meglio ci
stanno raccontando un mondo in continuo e febbrile cambiamento.
Tra tutti, negli ultimi anni, spicca un giovane fotoreporter
che, dopo la laurea in chimica, ha scelto il mondo fotografico per regalare
agli altri la sua personale visione del mondo.
Parliamo del fotografo siciliano Alessio Mamo, che avremo il piacere di ospitare alla prima edizione di PHŌTÓS, manifestazione pubblica per chi vive e condivide la Passione per l’Arte Fotografica. (Maggiori dettagli sul nostro evento sono disponibili a questo link).
Occhi che scrutano
drammi sociali e quotidianità
Dopo la laurea in fotografia all’Istituto Europeo di Design (IED) di Roma, Mamo ha subito realizzato quale fosse la sua mission nel
mondo fotografico: raccontare la
quotidianità del dramma di ogni singolo essere umano.
Ed è per questo che ha scelto il fotogiornalismo come suo
campo prediletto per la sua specifica narrazione visiva: attualmente ricopre la
figura di freelance per la Photo Agency
indipendente Redux Pictures.
Ma dove si sofferma nello specifico lo sguardo del nostro fotogiornalista
conterraneo? Alessio Mamo negli ultimi anni è stato una delle voci che meglio
ha raccontato la crisi umanitaria e migratoria
globale.
Immortalando con grande abilità in maniera particolare gli
effetti di questa immane crisi sui soggetti più deboli e indifesi.
Su quelli che non hanno possibilità di difendersi da
efferatezza e violenza, con una visione partecipata che non sfocia però mai nel
mero patetismo.
Ma non solo. Sempre più negli ultimi anni Mamo ci sta anche
raccontando gli effetti visivamente ancora più plateali e debordanti della
devastazione delle guerre in Medio Oriente.
Dove anche qui sono gli indifesi, le vittime della “Storia”,
in una concezione che assomiglia molto a quella dell’omonimo romanzo-verità di Elsa Morante.
Il riconoscimento
ottenuto al World Press Photo
Come coronamento di una carriera decennale, dedicata
interamente a una concezione etica e partecipata del fotogiornalismo, il
fotografo siciliano ha vinto il secondo premio al World
Press Photo 2018, per la categoria People,
sezione “Singles”.
La foto, dal titolo Manal, War Portraits (2017) descrive il dramma inimmaginabile di una ragazza di 11 anni che, a causa di un esplosione missilistica nei pressi di Kirkuk in Iraq, è rimasta sfigurata nel volto e nell’anima.
La giovane infatti è costretta a indossare una maschera per
diverse ore al giorno, così da proteggere il proprio viso deturpato (e
ricostruito a seguito di numerosi interventi chirurgici) dalla luce del sole.
Una cosa che a noi appare tanto naturale e scontata per Manal si è trasformata in qualcosa da
cui doversi proteggere: e questo è forse il dramma più grande del
capovolgimento globale scatenato da una guerra.
Tutto scorre
E in un mondo che è trascinato da un continuo e sfrenato πάντα
ῥεῖ immaginifico a volte persino una immagine di forte denuncia, agli occhi
degli stolti, rischia di trasformarsi in mera speculazione.
Uno dei recenti progetti del fotografo siciliano ambientati
in India, Dreaming Food, ha
scatenato sui Social l’anno scorso una serie di polemiche relative a una sorta
di “sfruttamento visivo della povertà”.
Le foto sono frutto di una serie concettuale (condotta con
un’associazione no profit locale e
che non ha ritratto per scelta soggetti né malnutriti né malati) che vuole
contrapporre lo scandalo inaccettabile dello spreco di cibo e di consumi associato
a periodi come quello del Natale Occidentale, all’estrema miseria delle zone di
povertà.
Ovviamente i personaggi pubblici dall’indignazione facile (e
a comando) hanno subito etichettato queste foto come pretestuose e strumentali.
(Foto per cui l’autore si è addirittura scusato nel caso fossero risultate
offensive per qualcuno).
Eppure è forse proprio questo il senso della denuncia:
scuotere, riflettere e spingere all’azione.
Probabilmente è questa la lezione più grande che ci ha
regalato Mamo con queste ed altre foto: anche se noi ci troviamo fermi nella
nostra stanza a guardare la TV, il monitor di PC o il nostro smartphone, il
mondo là fuori continua a muoversi.
E noi dobbiamo scegliere se essere spettatori o agire.
Un monito alla riflessione che ci impone di guardare il
mondo da altre angolazioni e con un diverso spirito.
E in un mondo che ogni giorno assomiglia sempre meno a quello del giorno precedente raccontare tutto questo per frenare la schizofrenia delle immagini, consentitelo, non è cosa da poco.
“La fotografia è un mezzo di espressione potente. Usata adeguatamente è di grande utilità per il miglioramento e la comprensione. Usata male ha causato e causerà molti guai… Il fotografo ha la responsabilità del suo lavoro e degli effetti che ne derivano… La fotografia per me non è semplicemente un’occupazione. Portando la macchina fotografica io porto una fiaccola…”
(W. Eugene Smith)
Il reportage è senz’altro uno dei generi fotografici più veri e più sentiti. Ma allo stesso tempo può essere un’arma a doppio taglio, poiché è la forma di “ritratto di luce” più realistico e quanto mai lontano da qualsiasi tipo di “filtro”.
La verità sotto forma di immagine, dunque. Ciò che l’occhio ritrae sarà senza dubbio ciò che la macchina ha inquadrato: e dunque forse questo rende il reportage ciò che più si avvicina all’obiettività.
Questo genere ha visto arruolare nelle sue file tantissimi Grandi Maestri della fotografia, che hanno ritratto spesso in maniera impietosa, ma anche con altrettanta umanità, scenari di guerra, devastazioni, carestie ma anche realtà emarginate delle grandi metropoli.
Basti pensare a Robert Capa e la Seconda Guerra Mondiale; o a Sebastião Salgado e le sue foto della povertà nel Corno d’Africa e della devastazione delle guerre nell’Ex Jugoslavia; o ancora alle iconiche foto di Nick Út in Vietnam o di Steve McCurry in Afghanistan.
Un oceano sterminato di immagini che ci ha restituito, in modo più o meno sconvolgente l’orrore, ma anche la speranza, proveniente da qualsiasi fazzoletto del mondo.
Qual è, nel 2019, alla fine del secondo decennio del XXI secolo, l’eredità di questi grandi fotoreporter? Chi sono i grandi eredi di questa immane tradizione? Chi si occupa di tramandare questa grande eredità alla popolazione mondiale?
La fiaccola del World Press Photo
Rifacendoci alla bella immagine della citazione di W. Eugene Smith è lecito chiedersi chi stia portando avanti nella Storia questa suggestiva fiaccola, per illuminare di luce l’oscurità dei luoghi celati dall’oblio dell’indifferenza quotidiana.
Ad assumersi questa responsabilità è la fondazione olandese World Press Photo, che rappresenta l’organizzatrice del più grande e più prestigioso concorso di fotogiornalismo mondiale, vale a dire i World Press Photo Awards.
Una sorta di Premio Oscar del fotoreportage mondiale, tanto per intenderci.
La cerimonia finale di premiazione assegna riconoscimenti ai migliori fotoreporter del mondo dalla sua prima edizione, datata nel lontano 1955.
Ed il premio più ambito è senza dubbio quello della World Press Photo of the Year, che in sintesi, nelle intenzioni degli organizzatori deve essere non solo
“[…] la sintesi fotogiornalistica dell’anno, ma rappresenta un problema, situazione o evento di grande importanza giornalistica, e fa questo in un modo che dimostra un eccezionale livello di percezione visiva e creatività.”
Un premio, pertanto, che ha l’obiettivo di rendere pervasiva la comunicazione fotografica e di riuscire ad avvicinare il grande pubblico al mondo del photo reportage.
Tra i grandi vincitori del passato non si possono non citare almeno il fotografo britannico Don McCullin, che nel 1964 si aggiudica il primo premio con una foto dedicata alla scottante Questione di Cipro.
O il già sopra citato Nick Út, che nel 1975 ritrae la giovane Phan Thị Kim Phúc e altri bambini che fuggono con gravi ustioni causate da napalm (foto che gli varrà anche il Premio Pulitzer).
O anche gli italiani Francesco Zizola e Davide Masturzo, trionfatori rispettivamente nel 1997 e nel 2010 con istantanee sulla guerra civile in Angola e la Dittatura in Iran.
Italia che comunque si è sempre distinta anche nelle altre sezioni: basti pensare alla vittoria del fotografo siciliano Alessio Mamo per la categoria People nel 2018.
Dunque una delle kermesse più importanti della fotografia mondiale: e che riesce a portare avanti egregiamente la sua mission.
Una fiaccola nell’oscurità: sarà questa lanterna a continuare a perpetrare la tradizione del reportage alle generazioni future.
Un compito non semplice: ma che finora è sempre stata portato avanti senza perir colpo.
“Gli infermieri non devono tenere relazioni con le famiglie dei malati, darne notizie, portar fuori senz’ordine lettere, oggetti, ambasciate, saluti: né possono recare agli ammalati alcuna notizia dal di fuori, né oggetti, né stampe, né scritti.”
(Norma di regolamento in un ospedale psichiatrico, citato nel libro Morire di Classe).
Nel 2019 ricorre un anniversario importante e significativo. 40 anni fa, nel 1979, veniva approvata la celebre Legge Basaglia, che metteva per sempre la parola fine al concetto di “manicomio” come era stato inteso fino a quel momento.
E decretava la chiusura e la riconversione di strutture che erano ascrivibili alla categoria “detentiva” e non a quella “curativa/riabilitativa”.
Ma già negli anni precedenti alcuni studi e ricerche avevano
scosso l’opinione pubblica, innestando quel processo che, di lì a poco, avrebbe
messo in discussione l’intera istituzione “manicomiale”.
Emblematico, in questo senso, è stata, 11 anni prima
dell’approvazione della legge una raccolta fotografica curata da Gianni Berengo Gardin e Carla Cerati, con l’importante
contributo dello stesso medico Franco
Basaglia, padre fisico e spirituale della legge che porta il suo nome.
Quell’importantissimo capolavoro di reportage documentario
fotografico porta l’emblematico nome di Morire di Classe, e fu pubblicato
nel 1969.
Le porte dell’Inferno
istituzionalizzato
Questo lavoro, di una durezza visiva ma al contempo di una
sensibilità narrativa unica servì a spalancare le porte di un vero e proprio “Inferno
istituzionalizzato”.
In quegli anni la follia, la malattia mentale, era un fastidio che non doveva essere messo in vista.
Durante il Primo Novecento le aberrazioni mentali potevano
essere, infatti, un campo di studio accademico, buono per qualche disputa
universitaria o per qualche (discutibile) trattato di criminologia.
Nel Secondo Dopoguerra, l’ansia di “normalizzazione” e la
voglia di ricostruzione spingeva le persone e la società ad accentuare ancor di
più questo andazzo, così da poter lavare i panni sporchi, se non in casa,
quantomeno lontano dagli occhi (e dal cuore).
Fu così che per parecchi decenni il manicomio criminale
diventò una sorta di limbo dell’oblio, dove confinare e relegare tutto quanto
non era ascrivibile all’insieme dei “normali”.
Il luogo della
costrizione e della violenza “legale”
E fu così, d’altronde, che l’istituzione divenne prigionia.
E il manicomio diventò la metafora dello Stato che opprime i più deboli.
Franco Basaglia fu
così che traccio quella linea netta che vedeva nel manicomio come classicamente
inteso la proiezione accentuata e iperrealista del rapporto (realmente) malato
fra luogo di cura e società esterna.
La costrizione dei malati e la prevaricazione che soggetti
inermi e indifesi subivano dai loro controllori (che talora diventavano
aguzzini) riassumeva in toto la violenza che fuori da quelle mura veniva (e
viene ancora) esercitata da chi il Potere lo detiene.
Per Basaglia, infatti, il fulcro rimaneva quello di un
Sistema Sociale disinteressato al recupero di chi è stato escluso, che limitava
il raggio dell’azione umanitaria “all’interno
di un’istituzione apparentemente non violenta”.
Un “non luogo” per “non
umani”
Una sorta di “non luogo”, ecco cos’era il manicomio. Dove l’essere
umano smetteva di essere tale e diventava un oggetto. Come in una sorta di
campo di prigionia che rimembrava altro dolore, altre sofferenze, altre
tragedie di solo qualche decennio prima.
Tanto che, tra le fotografie di Carla Cerati e Gianni Berengo Gardin sono stati inseriti contestualmente dei frammenti testuali che spaziano sul materiale della “follia” nell’età moderna.
I brani di Luigi Pirandello,
Michel Foucault, Erwin Goffman e Bertolt Brecht rappresentano la naturale (e crudele) didascalia
delle fotografie che mettono in mostra l’abbandono, la solitudine e il degrado
di uomini soli. Simili sempre più a cose e non a persone.
Ben si sposa, purtroppo, con la spersonalizzazione che nei
campi di sterminio i Nazisti applicarono alle proprie vittime, come fa eco la
tremenda citazione tratta da “Se questo è
un uomo” di Primo Levi:
“Si immagini ora un uomo a cui, insieme con le persone amate, vengano tolti la sua casa, le sue abitudini, i suoi abiti, tutto infine, letteralmente tutto quanto possiede: sarà un uomo vuoto, ridotto a sofferenza e bisogno, dimentico di dignità e discernimento, poiché accade facilmente, a chi ha perso tutto, di perdere se stesso.”
Il potere sociale delle
immagini
Il vaso di Pandora, a questo punto, era stato scoperchiato.
A questo punto nascondere la polvere sotto il tappeto non era più una soluzione
praticabile.
Lo stesso Basaglia aveva scritto già in quel periodo un
libro molto famoso pubblicato nel 1968, L’istituzione
negata. Rapporto da un ospedale psichiatrico.
Ma l’immagine diede qualcosa in più, fu forse l’ariete che
consentì di mettere di fronte agli occhi di tutti l’orrore di quel mondo
sommerso, chiuso irrimediabilmente da un lucchetto e da una camicia di forza.
E furono anche quelle fotografie scattate da Berengo Gardin
e dalla Cerati a dare adito a quella lotta medica, e in seguito politica, che
favorì il processo di riforma degli ospedali psichiatrici in Italia (e
successivamente in altri paesi) per mezzo della legge 180/1978 (la già citata “Legge Basaglia“).
Non è certo facile esaurire in questo breve articolo l’importanza
di questo libro fotografico, forse uno dei più significativi di tutta la storia
fotografica italiana e mondiale.
Forse basterebbe prendere in mano questo pezzo di Storia e
dare un’occhiata a queste sofferte e dolorose pagine.
Se tutto questo non basterà a toccare il cuore e l’animo del
lettore, sarà la paura inculcata dalla normalità ad averla vinta.
E in tempi bui e miserrimi come questi, purtroppo, il rischio di una “normale indifferenza” rimane purtroppo alto.
Tutte le cose belle, purtroppo, hanno una fine. Ed a questo, ancor più nostro malgrado, non fa eccezione il Corso Base di Fotografia 2019 dell’Associazione ImagoZero di Catania.
Tuttavia, se un finale andava scritto, di sicuro era quello
che vi racconteremo.
Domenica 26 Maggio 2019, infatti, si è tenuta la mostra conclusiva dei partecipanti al corso, la Collettiva Fotografica CON NUOVI OCCHI.
Un finale degno di
nota
Chi, domenica scorsa, si è trovato al Museo Diocesano di Catania per partecipare al vernissage dell’esposizione non è certamente rimasto deluso.
Sono stati ben 35 gli autori che hanno esposto le proprie opere, complessivamente 70 immagini in cornice.
Fotografie che hanno spaziato in vari generi: ottimi esempi di ritrattistica, foto di splendidi paesaggi (da territori tipicamente siculi a zone decisamente più esotiche) e varie stoccate degne della migliore Street Photography, sia in bianco e nero che a colori.
Il vernissage ha vissuto davvero una grande partecipazione:
non solo (giustamente) amici e parenti di corsisti e membri dello staff, ma
anche graditi ospiti del mondo fotografico catanese. Erano presenti infatti il
fotogiornalista Fabrizio Villa, la
fotografa di matrimoni “alternativi” Valentina
Di Mauro (ospite di eccezione di un memorabile
ImagoTalk) e l’Associazione Fotografica Renarossa.
Una grande partecipazione che senz’altro denota il valore
estetico e simbolico delle immagini proposte e senza dubbio accentua il valore
del lavoro che è stato fatto dall’inizio di questo corso fino alla sua
conclusione.
Non sono mancate le
emozioni
E lo staff di ImagoZero
ha regalato momenti pieni di significato alla serata, che non è stata un mero teatro
della mostra in sé.
E’ stata anche un’occasione per far conoscere le attività associative e ringraziare in modo adeguato chi ha attivamente partecipato a questi intensi mesi di assoluta carica creativa.
Alla platea i docenti del corso, nonché Direttivo dell’associazione, Daniele Musso e Stefania Stramondo, con la partecipazione della neo-mamma Elena La Spina (e lo special guest della piccola Annarosa) hanno dichiarato il proprio infinito amore alla fotografia.
Riversato senza un attimo di tregua in questi magnifici mesi
percorsi in lungo e in largo tra lezioni, esercitazioni e indimenticabili
momenti di svago che hanno cementificato rapporti e allargato gli orizzonti di
tutti i partecipanti.
E per questo, tra qualche lacrimuccia, in un momento molto
emozionante, sono stati ringraziati tutti gli organizzatori e chi ha
partecipato, volontariamente e con sacrificio, a questi intensi mesi di
attività, che qui ci limitiamo solamente ad elencare, come riportato nel post
pubblicato sulla nostra pagina Social:
Sinceri ringraziamenti vanno ai partecipanti al corso che hanno contribuito all’organizzazione ed all’allestimento della mostra, in particolare a Mariarita Zappalà, per aver dato la possibilità di conoscere i corsisti attraverso il sito dell’Associazione; e ad Ugo Romeo per il contributo nel trovare la location. Gabriella Ricifari per l’organizzazione delle attività’ extra sede, le fotografie degli eventi, le relazioni con i non soci e per l’impegno quotidianamente profuso; Gianluca Santanocito ed Ornella Bo Santanocito per la gestione del set in luce ambiente durante l’esercitazione di fotografia di ritratto; i modelli Francesco Coco, Mery Gio Azzarello, Michela Montandon; Giulia Romano per l’assistenza logistica e per le emozionanti immagini dei momenti trascorsi insieme; Giuseppe Di Gregorio per il tutoraggio e la consulenza legale; Lucia Lucy Boncaldo per l’assistenza fiscale e per il supporto logistico; Riccardo Di Mauro per il supporto continuo nel suo ruolo di tutor; Roberto Bruno per i suggerimenti gestionali e per la pazienza; Roberto D’Amico, per l’ineguagliabile supporto che da anni offre per il corso base di fotografia, per le dirette streaming, per aver messo a disposizione la propria attrezzatura, per la guida flash; Riccardo Lombardo per la lezione di fotografia del paesaggio; Silvana Licciardello per la lezione di street photography e reportage; Simone Bellitto per aver partecipato attivamente all’attività associativa attraverso i suoi articoli.
A chi ha ospitato le attività del corso, con professionalità e generosità: Daniele Calcagno e Loredana Urzì di UC English; Federica e Tiziana Saglimbene di Feiana Business Center; Tony Carciotto, Presidente di Pro Loco Belpasso; Francesca Piana ed il THE EIGHT HORSES PUB.
Infine, ad ogni corsista è stato consegnato un attestato di partecipazione, regalando così meritatamente “il palco” per un attimo anche a chi ha fatto sì, a livello “materiale”, che questa mostra avesse luogo.
Non finisce qui!
Chi scrive l’articolo, emozionato anch’egli per aver fatto parte di questa meravigliosa avventura, non trovando conclusione più appropriata per quest’articolo vista la grande bellezza di quanto vissuto, in tutta sincerità preferisce affidare questo finale alle bellissime parole redatte dal Direttivo di ImagoZero nella presentazione dell’evento.
Parole che sinteticamente possono rendere al meglio il significato e l’importanza di ciò che è stato fatto.
“[…] alla fine di quasi cinque mesi di incontri, di lezioni, di uscite fotografiche, di lunghe camminate, dubbi risolti, voglia di imparare reciprocamente, aperitivi improvvisati, cene organizzate, nuovi amici e tanto ridere insieme […] abbiamo imparato ad osservare il mondo con nuovi occhi, a trasmettere, attraverso la fotocamera, le emozioni che percepiamo, abbiamo incontrato persone nuove accomunate dalla stessa passione per la Fotografia ed abbiamo imparato a conoscere meglio noi stessi e chi ci sta vicino.
[…] scatto dopo scatto scriviamo, con la luce, il nostro racconto.”
Un arrivederci alle prossime attività di ImagoZero: buona Estate fotografica a tutti!
Intermedialità. Un
concetto che ben esemplifica il dialogo tra media
diversi (che abbiamo già trattato nel nostro
articolo su Agnès Varda, a cavallo tra cinema e fotografia).
Un’intersezione che non si ferma a singole opere d’arte ma
che trova la sua piena espressione in veri e propri universi che, alle volte,
sembrano correre a velocità parecchio diverse.
Nel caso specifico parliamo di come la concettualità di
certa fotografia, di certe immagini “immobili”, trova un suo corrispettivo in
un’arte dinamica e veloce come quella del videoclip
e del video-making.
Ed è proprio questo il fulcro dell’incontro avvenuto martedì 16 aprile per la serie degli Imago
Talk con il collettivo artistico catanese Ground’s Oranges.
Ground’s Oranges:
potere all’immaginazione visiva
Artisti poliedrici, originali ed innovativi, questi
“videografi” rispondono al nome di Salvo
“Zavvo” Nicolosi, Jacopo Saccà, Marco Riscica, Dimitri Di Noto e Riccardo Nicolosi.
Lo scopo di questo progetto è dare adito alla propria libertà espressiva grazie a
un’azzeccata concatenazione di immagini e concetti sdoganati dalla mera
convenzionalità.
E soprattutto senza
mai scadere nel banale o nello scontato: una ricerca artistica che non si
prende mai troppo sul serio ma che punta a rivelare, attraverso il fluire di
questo vortice di immagini in movimento, lo spirito più autentico di ciascuno
dei membri di questa squadra.
I Ground’s Oranges
trasudano di questa follia semiseria in tutti i video da loro creati, di cui
citiamo solo qualche esempio, tra quelli visti durante la bella e piacevole
serata.
Come sdoganare un
funerale
Si pensi alla genialata del “Pre-funerale di Luigi Virgillito”(2013): vale a dire un condensato di parodia e di sberleffo a una certa cultura popolare legata ai cosidetti “pre-matrimoni”, “pre-battesimi”, ma soprattutto ai tanto ostracizzati “pre-diciottesimi”.
In un’overdose di colore che si pone in aperta antitesi con
l’atmosfera “funebre” tradizionale siciliana, questa breve ma piccola perla
quasi nonsense, con ammiccamenti ad una mimica vicina al cinema di Ciprì e Maresco, spazza via decenni di
tabù su argomenti quasi intoccabili per la “sicilianità” come la morte e il
funerale.
Questo è solo un sintomo della originalità e della
ricercatezza delle loro creazioni.
Indie(gesto)
I Ground’s Oranges sono anche riusciti nel loro intento di dissacrare
un certo ambito “indie” tanto acclamato dalle folle di pseudo-intellettuali in
cerca di idoli vuoti a cui (fintamente) ispirarsi.
Basterebbe guardare il loro videoclip originale dal titolo “Stuff Pick” (2014), in cui prendono in giro certo atteggiarsi ad hipster e radical chic da tastiera, dove le citazioni a registi e artisti celebri per pura moda e senza alcun filo logico la fanno da padrona (basti citare a titolo esemplificativo David Lynch e Wes Anderson).
O forse uno dei parti più fenomenali degli ultimi anni, vale
a dire la creazione dal nulla di un artista indie che è bello ed emblematico
proprio perché in realtà non esiste: il beniamino delle folle Cambogia.
Per loro stessa dichiarazione: metti giù un tizio un po’
belloccio, un testo che è di una banalità sconcertante e una melodia
orecchiabile. E il gioco è fatto.
Ed il videoclip de “Il mare non è niente di speciale” (2017) è la sintesi di questo progetto creativo che per un anno è stato davvero preso sul serio e considerato un artista rivoluzionario da critici musicali e ascoltatori.
Queste creazioni ben esemplificano la voglia di buttare giù
i pilastri del “partito preso”. Perché l’arte è bella anche senza per forza
ambire a un aulico che in realtà non è altro che qualcosa di poco sincero. Di
“artefatto” e non “fatto di arte”, per l’appunto.
La musica e il potere
delle immagini
Nell’ambito della loro libertà espressiva, tuttavia, i Ground’s Oranges non disdegnano di sviluppare
progetti per artisti anche appartenenti allo scenario Indie.
Il compromesso “storico” del collettivo è comunque quello di
non barattare mai la propria autonomia artistica in nome della “commissione”.
E questa voglia di anteporre la propria indole viene fuori
in tutte le loro collaborazioni artistiche con artisti di caratura nazionale
come Baustelle, Zen Circus, Maldestro, Colapesce, Gazzelle e altri ancora.
Le produzioni visive, poi sono delle vere chicche: dalle atmosfere volutamente “britpop” di Meglio Così di Gazzelle (2017); passando dall’incarnazione più pura della sicilianità totale di Spine di Maldestro(2018); per arrivare allo sfondamento dei tabù dell’omosessualità dell’Italia benpensante in L’Altra Guancia(2015) e dell’Islam in Maometto a Milano (2017), entrambi videoclip girati per brani di Colapesce.
E menzione a parte meritano due videoclip in particolare.
Il primo, interpretato da un ispiratissimo Corrado Fortuna, è il pastiche pseudo-satanista del video per GIORNI BUONI di Dimartino (2019) dove atmosfere simboliche ed evocative fanno da sfondo a una carnale e lancinante storia passionale.
Un incalzare di inquadrature e di immagini che ben
rimembrano certo cinema di Alejandro
Jodorowski (e sono i ragazzi stessi a dichiarare la propria ispirazione per
alcuni loro video a pellicole come El Topo).
Ed infine a uno dei punti più alti (perlomeno a parere di
chi scrive).
Vale a dire al videoclip di Catene (2018) degli Zen Circus. Uno storytelling visivo che ben si adatta e amalgama alla penna nichilista e corrosiva del front-man della band Andrea Appino.
Girato anche, tra le altre location, in una villa Bellini a Catania stupendamente vuota, il video è la fusione di passato,
presente e futuro a uno schiocco di dita dalla morte.
In una serie di immagini che si susseguono scocca la
fugacità dell’esistenza: tra finzione e reale, tra palcoscenico e vita vissuta,
tra demoni interiori e disillusioni esteriori.
E sebbene i ragazzi del collettivo stesso respingano un
approccio toccante a questo video si può anche ammettere, senza sfociare nel
mero sentimentalismo, che qualche corda importante dell’anima sia stata
toccata.
Arte come
divertimento
Le creazioni di questo collettivo “anarchico” e “illuminato”
sono dunque autentiche, evocative e irriverenti.
E tutto questo, per loro stessa dichiarazione, non lo fanno
per adeguarsi al mercato, per fare soldi o per sbarcare il lunario.
Questi giovani ragazzi sono infatti “costretti” a fare altri
lavori per “sostentarsi”.
Ciò nonostante, il messaggio più lampante che possiamo
desumere da questo incontro è che l’arte, se autentica, non deve scendere a
patti con “mammona”.
Altrimenti basterebbe produrre dei videoclip spazzatura per
il pop, il neomelodico o la trap.
Una filosofia che ci piacerebbe riassumere in: “Non al denaro, non all’amore, né al cielo”.
Ma solo perché ci si diverte.
Il 7 Aprile 2019 è stata una di quelle classiche date che, per i corsisti, i soci e tutto lo staff di ImagoZero Catania, difficilmente potrà essere cancellata dalla memoria.
In un trittico che definire delle meraviglie sarebbe dire
poco, l’allegra compagnia di insegnanti e di aspiranti fotografi hanno potuto
apprezzare tre stupendi momenti per una giornata assolutamente indimenticabile.
Tre momenti vissuti nella suggestiva cornice di Palermo che, qui di seguito, vogliamo a grandi linee descrivere. Così da poter ipoteticamente comunicare ai lettori quali meraviglie hanno potuto guardare oggi i nostri increduli ed emozionati occhi.
La mostra di Ferdinando Scianna
Ad aprire le danze è stata la mostra dal titolo “Viaggio Racconto Memoria” dedicata ad
uno dei fotografi più celebri ancora viventi, che tutto il mondo ci invidia: Ferdinando Scianna.
Il fotografo isolano – reporter di fama e noto membro della Magnum Photos – ci illustra con il suo
eccezionale bianco e nero la propria concezione del medium fotografico: uno sguardo a 360° sul mondo che ci circonda.
Ed è questo viaggiare incessante il fulcro della sua opera:
un viaggio che è più un iter della mente che fisico.
La mostra, infatti, è sapientemente divisa per vere e
proprie mappe concettuali.
Si parte da un viaggio
nella memoria, alla ricerca di un’isola
che non c’è (più) come quella Sicilia perduta, quasi dimenticata in ricordi
che hanno un gusto dolce-amaro. All’insegna di una melanconia per una
tradizione che sta scomparendo, sommersa da un eterno presentismo.
Per poi passare verso altri
mondi: come ne sono testimonianza i suoi viaggi negli Stati Uniti, metà da lui particolarmente gradite perché fornisce
spicchi di realtà che tutti conosciamo, ma che non smettono mai di
sorprenderci.
O il suo viaggio verso il “mondo offeso”, citando Vittorini:
un viaggio nella sofferenza, nella fame e nei patimenti di luoghi e persone
feriti da guerre, epidemie e migrazioni di massa.
Una via crucis nei meandri del dolore che attraversa nazioni come il Libano, l’India, l’Etiopia fino ad arrivare al dramma dei profughialbanesi negli anni ’90.
O ancora il suo rapporto di simbiosi con le ombre: uno strumento per Scianna
indispensabile per scrivere con la luce. Ma anche per disegnare ed evidenziare
concetti ed emozioni con la sua mano fotografica, diretto prolungamento della
sua anima.
E, infine – ma tante altre sotto-trame non mancherebbero – il suo rapporto con gli altri artisti e con
il mondo dello spettacolo, finemente narrato dalla bellezza dei suoi ritratti.
Si va dall’affresco “familiare” all’amico e compagno di mille viaggi, Leonardo Sciascia; agli scatti dedicati ad altri maestri della fotografia mondiale come Henri Cartier-Bresson e Jacques Henri Lartigue; per chiudere con l’incontro folgorante con la modella Marpessa, che verrà magistralmente incastonata come una gemma tra le gemme, tra le bellezze e le strade siciliane. All’insegna, in parole povere, di un concetto di “moda” scarno ed essenziale, totalmente privo di patina.
La mostra, in conclusione, è uno spettacolo visivo in cui è
concentrata una parte significativa di un’attività prolifica, incessante e mai
doma da decenni.
E dalla voce “in carne ed ossa” di Scianna siamo guidati
dall’inizio alla fine. Le audio-guide sono come Virgilio e Beatrice per Dante: una voce che ci porta dai
meandri dell’Inferno in Terra a mirar le “stelle”. Che queste stelle siano
quelle dello spettacolo e non astri celesti, beh, poco importa.
La mostra “Viaggio Racconto Memoria” è esposta al GAM – Galleria d’arte Moderna “Empedocle-Restivo” di Palermo, fino al 28 luglio 2019.
La mostra di Franco Zecchin
Il secondo appuntamento di giornata, non meno emozionalmente
intenso, si è svolto (come anche il terzo) al Centro Internazionale di Fotografia, dove la troupe
dell’associazione ha avuto il piacere di vedere la mostra, dal titolo “Continente Sicilia” dedicata al fotografo
Franco Zecchin.
Fotoreporter che della Sicilia ha fatto il suo vero e
proprio “Teatro di guerra”.
Al centro dei suoi scatti, infatti, ci sono le persone che,
nel bene o nel male, hanno segnato la storia recente della nostra Isola, bella
e maledetta.
Fotografie che spesso “si macchiano” del sangue dei
vincitori e dei vinti, a descrivere quel conflitto armato scatenato dalle Mafie
senza lasciare nulla all’immaginazione: col coraggio e con la durezza di un
pugno allo stomaco veniamo trascinati tra le scene degli omicidi “eccellenti”
degli uomini di Stato e della “gente di rispetto”.
Intervallando questo bagaglio di orrori con scene di vita
quotidiana, manifestazioni di protesta contro le basi missilistiche, feste
paesane e angoli di ospedali psichiatrici. Il tutto in nome della pura e
semplice verità.
Questa verità che si trova, si, annaspando tra i corpi senza
vita e tra le macerie degli attentati dinamitardi: senza però dimenticare
questi martiri come erano da vivi.
Perché il messaggio è chiaro: Giovanni Falcone, Paolo
Borsellino, Rocco Chinnici e Cesare Terranova non sono dei santini
da esibire quando serve.
La mostra “Continente
Sicilia” di Franco Zecchin è
visitabile fino al 16 Giugno
all’interno dei locali del Centro
Internazionale di Fotografia di Palermo.
L’incontro con Letizia Battaglia
Infine l’episodio conclusivo – ma di certo non meno
importante della giornata – è stato dedicato all’incontro con la direttrice del
Centro Internazionale di Fotografia, vale a dire la fotografa Letizia Battaglia.
Una donna che, dall’alto dei suoi 84 anni, ha le idee
assolutamente chiare sul mondo della fotografia e sulla lezione da impartire ad
amatori ed aspiranti professionisti, che gli attenti interlocutori hanno assorbito
dalla prima all’ultima parola.
La fotografa ha parlato degli anni bui della Sicilia preda
della morsa mafiosa, quando con estremo coraggio sfidò l’omertà della città,
grazie all’esibizione pubblica delle immagini dei morti ammazzati per strada. Un atto di coraggio che non esiterebbe
a rifare, se necessario, anche alla sua veneranda età.
Ha descritto anche le sue esperienze professionali: citando
come uno dei suoi punti di riferimento il fotografo ceco Josef Koudelka.
Un artista che ha fatto della macchina fotografica il suo
credo di vita, la sua missione: senza scendere mai a nessun compromesso con il
mercato e con gli editori, rinnegando il profitto economico per la piena tutela
della sua libertà espressiva.
E la Battaglia condivide questo spirito anticonformista: a
tutela di una concezione dell’artista che possa essere premiato per i propri
meriti, senza divenir mero pasto per i salotti borghesi dell’arte fine a sé
stessa.
Infine, ha esortato i giovani amatori a tirare fuori dai
propri scatti ciò che realmente si ha dentro: per una fotografia che scuota
veramente, che riesca a sconfiggere definitivamente la cecità e l’anestesia
visiva alle immagini delle quali siamo quotidianamente vittime.
Concludiamo rispondendo con entusiasmo a questa esortazione:
ribadendo che l’associazione ImagoZero non potrà facilmente
dimenticare questa giornata.
Così tanto piena e allo stesso tempo così tanto bella da
essere volata via come il più fugace degli attimi.
Breve e intensa come il più riuscito degli scatti.
Reportage,cinema e fotografia non sono compartimenti stagni. Anzi, spesso e volentieri sono ambiti che si intrecciano in modo molto proficuo, generando un valore aggiunto ad opere d’arte che già singolarmente hanno un contenuto formale ed estetico molto elevato.
Non sono rari i casi di grandi registi che hanno avuto
rapporti proficui con più media:
basti pensare ai fortunati esordi fotografici di Stanley Kubrick.
O il talento spiccato di Wim Wenders nel barcamenarsi in maniera autorevole tra un’arte e
l’altra (basti pensare a quel capolavoro assoluto di “cinema sulla fotografia”
che è Il Sale della Terra, dedicato
al grande Sebastião Salgado).
Uno di questi grandi artisti, figli allo stesso modo di
macchina fotografica e cinepresa, ci ha purtroppo recentemente lasciati,
esattamente il 29 marzo 2019.
Parliamo della regista, e fotografa francese Agnès Varda.
Un’abile documentarista
La Varda era soprattutto nota nel campo del Cinema, spesso
per essere stata accostata alla Nouvelle Vague, uno dei movimenti
cinematografici più conosciuti della cinematografia francese.
È stata soprattutto un’abile documentarista e autrice di
film spesso a metà tra finzione e realtà: ha girato all’incirca una decina di
pellicole tra lungometraggi, corti e documentari veri e propri.
Nel 2018, tributo a una grande carriera, le è stato anche
assegnato l’Oscar alla carriera.
La passione per la fotografia
Un po’ meno nota, ma di certo non di inferiore qualità, è
stata la sua attività di fotografa
in giro per il mondo.
Lo stesso sguardo rigorosamente analitico che troviamo nella
sua opera documentaristica è sicuramente riscontrabile nella sua opera
fotografica.
Nei suoi viaggi in terre spesso molto lontane, sia fisicamente che mentalmente distanti dal nostro Occidente, Agnès Varda immortala persone e situazioni senza compassione, patimento o enfasi non necessarie.
Inquadrando, nell’angolo di mondo congelato dai suoi scatti,
soltanto attimi di realtà, vita vissuta.
Come nei suoi reportage ambientati nella Cina maoista o nella Cuba di Castro.
Nel primo caso la fotografa si recò in Estremo Oriente nel 1957, all’interno di una vera e propria
“missione” diplomatica, assieme ad alcuni ambasciatori francesi, per
documentare la vita nel paese.
Sono scatti che rappresentano la gente comune, la vita
quotidiana, le famiglie e gli operai di una società di certo in fermento, alle
prese con un’industrializzazione (forzata) che tristemente di lì a poco avrebbe
dato amari frutti.
La Varda, molto lontana dall’operare una mera mitizzazione
del regime, lascia che sia la macchina fotografica a descrivere situazioni e
cose al posto delle parole.
Lo stesso discorso vale per il suo viaggio personale a Cuba, nel 1963, dove la vitalità del popolo ispanico, fresco di rivoluzione
ed in pieno scontro aperto con i vicini a stelle e strisce, colpisce il suo
occhio.
E dai suoi occhi questo eterno movimento di persone in cerca
di libertà finirà per impressionarsi nei suoi scatti: i giovani, la musica e le
lotte per l’uguaglianza emergono in una società che, nel suo essere
contraddittoria, genera un’interessante soggetto da mettere a fuoco.
Anche qui la Varda tenta di non lasciarsi abbagliare dal
clamore mediatico sorto attorno alla giovane repubblica: più che le pose di
Castro le interessa guardare il popolo, la gente.
Fare il ritratto ad una società, quella degli anni ’60, che
sta per cambiare in ogni angolo del pianeta.
Un legame indissolubile
Anche quando deciderà di dare maggiore propensione alla sua attività cinematografica, Agnès Varda sarà sempre legata in modo indissolubile alla fotografia.
Un tributo al dagherrotipo che la cineasta non dimenticherà
di citare neanche nei suoi film.
Vogliamo citare, semplicemente come esempio, in una sorta di procedimento ad anello, il suo primo e il suo ultimo film.
Ne La pointe courte (1955), interpretato da un giovanissimo Philippe Noiret, un film a metà tra lirismo alla Jean Vigo e neo-realismo italiano, troviamo alcuni frame che sono montati come se fossero dei veri e propri scatti fotografici.
Frame dal film “La Pointe Courte”, 1955, Agnès Varda
Immagini in movimento che però scolpiscono molto bene
l’istante singolo, la fatuità del momento. Quasi a intervallare e accavallarsi
con i “frammenti di un discorso amoroso”
(citiamo Barthes) rimasto totalmente
inconcluso ed inespresso per i protagonisti della pellicola.
Nel suo ultimo lungometraggio, il documentario Visages, Villages (2018) la regista si
lascia trascinare, invece, in un viaggio on
the road su e giù per la Francia col fotografo francese JR.
Frame dal film “Visages, Villages”, 2018, Agnès Varda
Ed è qui che questi due girovaghi che hanno sbarcato il
lunario (JR è un noto artista che utilizza come sua peculiarità il collage fotografico) entreranno nelle
vite delle persone comuni, raccogliendo impressioni, sogni e speranze infrante
di una provincia spesso ignorata ma che non muore mai per sempre.
Un vero e proprio testamento spirituale, che acquisisce un
significato ulteriormente stratificato dall’emblematica visita alla tomba di Henri Cartier-Bresson: un infinito
tendersi a quell’ “istante decisivo”
che, probabilmente, raccoglie in maniera intimistica la sua (e la nostra)
esistenza.
